АКАДЕМИЧЕСКАЯ ЖИВОПИСЬ

Посмотреть материал, представленный в презентациях

Сделать записи в тетради:

записать имена и даты жизни художников

записать  их основные произведения

Определить и записать кратко отличительные черты творчества Г. Семирадского и Н. Ге от искусства передвижников

Постараться запомнить просмотренный и записанный материал.

По электронному адресу на имя Сидоренко Ольги Владимировны  onauman@list.ru переслать отчет в следующем виде:

презентации просмотрены,

определения записаны,

Тетрадь готова к проверке.

История изобразительного искусства 6 класс

Тема

Пейзаж в русской живописи

второй половины XIX века

Пейзаж – это один из жанров живописи. Русский пейзаж -жанр очень важный как для русского искусства, так и для русской культуры в целом. Пейзаж изображает природу. Природные ландшафты, природные пространства. Пейзаж отображает восприятие природы человеком.  

В начале 19-го века русские художники пишут в основном Италию. Италия считалась родиной искусства и творчества. Художники обучаются за границей, подражают манере иностранных мастеров. Русская природа считается невыразительной, скучной, поэтому даже исконно русские художники пишут иностранную природу, отдавая ей предпочтение как более интересной и художественной.

Слайд № 1 - №3

В середине 19-го века, русская интеллигенция и художники в частности начинают задумываться о недооценённости русской культуры.  В русском обществе появляются два противоположных направления: западники и славянофилы. Западники считали, что Россия это часть общемировой истории и исключали ее народную самобытность, в то время как славянофилы считали, что  Россия – особенная страна, с богатой культурой и историей. Славянофилы считали, что путь развития России должен коренным образом отличаться от европейского, что русская культура и русская природа достойны того, чтобы описывать ее в литературе, изображать на полотнах,  и запечатлевать в музыкальных произведениях. Русский пейзаж середины XIX века формировался на основе сложившейся к тому времени романтической традиции в западноевропейском искусстве, и нового направления в искусстве, представители которого стремились создавать реалистические пейзажи, отражавшие веяния нового времени (Передвижники).

Цели и задачи урока: 

Познакомить учащихся с произведениями живописи, созданными лучшими мастерами, с разнообразием пейзажных сюжетов, показать роль искусства в понимании красоты природы.

Научить определять средства выразительности для передачи настроения и чувств в искусстве, воспитывать любовь и бережное отношение к природе, воспитывать патриотические чувства, узнавать отдельные произведения выдающихся отечественных художников, называть их авторов.
 

Последовательность выполнения работы.

Познакомиться с предложенной темой. Внимательно прочитать текст, последовательно, согласно номерам, просматривая слайды. Записать в тетрадь имена художников, их  произведения (2-3),  и  кратко указать отличительную черту в творчестве каждого мастера. Выбрать понравившееся произведение и сделать в тетради описание, созданного мастером пейзажа. Переслать фото страниц с записанным материалом урока.

СЛАЙД №4 - №6

Саврасов Алексей Кондратьевич (1830-1897)  Русский  художник-пейзажист, член-учредитель Товарищества передвижников, автор ставшего архетипическим и культовым пейзажа «Грачи прилетели», академик Императорской Академии художеств.

СЛАЙД №7-  №11

Иван Иванович Шишкин (1832 – 1898). Выдающийся русский художник-пейзажист, живописец, рисовальщик и гравёр-аквафортист. Академик, профессор, руководитель пейзажной мастерской Императорской Академии художеств. Истинный масштаб таланта живописца наиболее полно раскрывается в его лучших работах. Они, как открытая книга, распахивают перед нами всю глубину души, всю уникальность личного авторского мировосприятия. Художник Иван Шишкин посвятил свое творчество одному главному направлению – пейзажу. В ряду мастеров кисти второй половины XIX века он занимает свое отдельное и исключительно особое место.

СЛАЙД № 12 - №15

Левитан Исаак Ильич (1860 – 1900) - живописец-пейзажист. Родился в Литве в Ковенской губернии в местечке Кибарты. Сын еврея, учителя иностранных языков Ильи Абрамовича Левитана. Образование получил в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у В.Г. Перова, А.К. Саврасова и В.Д. Поленова. В 1873 поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где наибольшее влияние на него оказали В.Д.Поленов и А.К.Саврасов; окончил училище в 1885. Жил преимущественно в Москве. Работал также в Останкине (1880–1883), в различных местах Московской и Тверской губерний, в Крыму (1886, 1899), на Волге (1887–1890). Был членом «Товарищества передвижников». «Пейзажи настроения» Левитана содержат особую психологическую насыщенность, отражая все грани человеческой души. Восприняв новации импрессионизма, он, тем не менее, никогда не отдавался чистой, радостной игре света и цвета, пребывая в кругу своих лиричных образов. За свою очень короткую жизнь, он внес огромный вклад в художественный мир нашей страны.

СЛАЙД №16 - №18

Куинджи Архип Иванович (1841— 1910), художник. Родился в январе 1841 г. в Мариуполе в семье сапожника, грека по происхождению. Осиротев, воспитывался в семье родственников. Рано начал рисовать и освоил живопись в основном самостоятельно. В 1855 г. пешком ушёл в Феодосию, чтобы учиться у И. К. Айвазовского.  В конце 60-х гг. Куинджи приехал в Петербург. Первые работы художник представил в 1868 г. на выставке Академии художеств и вскоре прочно зарекомендовал себя как мастер пейзажа. Он добивался необычайной интенсивности и яркости красок, новых цветовых решений. Характерны для него многочисленные «солнечные» картины и эскизы (в их числе «Берёзовая роща», 1879 г.). Напряжённый контраст насыщенных тонов, световые эффекты — всё это было необычным для живописи XIX в. явлением. В 1909 г. Архип Иванович основал Общество художников (получившее затем его имя), которое оказывало поддержку людям искусства. Этому Обществу живописец завещал всё своё состояние и находившиеся в мастерской произведения. Умер 24 июля 1910 г. в Петербурге.
СЛАЙД №19 – №21

Иван Константинович Айвазовский (1817 — 1890) - знаменитый русский художник. Известен, как непревзойдённый мастер живописи в жанре «марина» (морские пейзажи, батальные сцены на море). Во всём мире известен, как один из самых выдающихся русских художников, представляющих как российскую живопись в целом, так и высший уровень маринистического жанра.

Иван Айвазовский имеет армянское происхождение.. Настоящее имя — Ованнес Айвазян. С раннего детства обладал творческими способностями. Обучался в Императорской Академии художеств Санкт-Петербурга. По причине высокой успеваемости, Айвазовский закончил обучение на два года раньше срока, после чего Академия отправила его в Крым После возвращения в Россию стал художником Главного морского штаба России, а затем профессором Академии художеств в Петербурге. Главными сюжетами Ивана Айвазовского были морские пейзажи, батальные сцены на море (морские сражения). Кроме того, в его творчестве немало пейзажных картин, городских пейзажей, жанровой живописи.  За свою жизнь Айвазовский написал более 6000 картин. Великий русский художник умер 19 апреля (2 мая) 1900 года в Феодосии. Иван Айвазовский является одним из величайших художников мирового значения.

СЛАЙД №22-№24

Василий Дмитриевич Поленов (1844 -1927). Российский художник, педагог, профессор Императорской Академии художеств. Занимался исторической, пейзажной и жанровой живописью. Народный художник РСФСР. Один из реформаторов, принесший понимание пленэрного этюда как самостоятельного произведения.

6 год обучения

Тема

 

Русское искусство на рубеже XIX - XX веков

Михаил Александрович Врубель (1856 -1910)

Русскую художественную культуру конца XIX – начала XX века принято называть «Серебряным веком» по аналогии с золотым веком пушкинского времени, когда в творчестве торжествовали идеалы светлой гармонии. Серебряный век так же был отмечен подъемом во всех областях культуры – философии, поэзии, театральной деятельности, изобразительном искусстве, но настроение светлой гармонии исчезло. Деятели искусства, чутко улавливая настроения страха перед наступлением века машин, ужасов мировой войны и революций, пытаются обрести новые формы выражения красоты мира. В этих условиях формируется новый тип универсальных художников, для которых не существует разделения на ремесло и искусство. Они не только создавали картины и декоративные панно, но и могли расписать блюдо, исполнить виньетку для книги, вылепить скульптуру, придумать театральный костюм и др. Важной особенностью данного периода является то, что высоких результатов достигают все виды искусства: архитектура, живопись, декоративно-прикладное искусство, книжная графика, скульптура, театрально-декорационное искусство. Русские художники конца XIX — начала XX в. достигли такого высокого уровня мастерства, который поставил их произведения в один ряд с лучшими образцами европейского искусства.

Художники нового поколения стремились к новой живописной культуре, в которой преобладало эстетическое начало. Форма была провозглашена владычицей живописи.

Гениальным новатором, проложившим новые пути русского искусства, был Михаил Александрович Врубель (1856–1910). Он считал, что задача искусства – пробуждать человеческую душу «от мелочей будничного величавыми образами». У Врубеля не найти ни одной сюжетной картины, связанной с земными, повседневными темами. Он предпочитал «парить» над землей или переносить зрителя в «тридевятое царство» («Пан», «Царевна-Лебедь»). Его декоративные панно («Фауст») ознаменовали сложение в Росси национального варианта стиля модерн.

 

«Бывают жизни художников — сонаты, бывают жизни художников — сюиты, бывают пьески, песенки, даже всего только упражнения. Жизнь Врубеля, какой она теперь отойдет в историю, — дивная патетическая симфония, то есть полнейшая форма художественного бытия. Будущие поколения, если только истинное просветление должно наступить для русского общества, будут оглядываться на последние десятки XIX века как на «эпоху Врубеля».

Александр Бенуа, художник

Врубель Михаил Александрович (Mikhail Vrubel), русский художник, крупнейший представитель символизма и модерна в русском изобразительном искусстве. Родился в Омске 5 (17) марта 1856 года. Учился Врубель в Петербургской Академии художеств (1880–1884) у Павла Петровича Чистякова; уроки акварели брал у Ильи Ефимовича Репина. Особое влияние на Врубеля оказали живопись венецианского Возрождения (из современников – испанец М.Фортуни и английские прерафаэлиты). Самобытная манера Врубеля – особого рода кристаллический рисунок, мерцающий тонами «сине-лилового мирового сумрака» – окончательно сформировалась в его киевские годы (1884–1889), причем в русле церковного искусства. Приглашенный для реставрации Кирилловской церкви (12 век), Врубель в ряде случаев должен был исполнить новые композиции (в частности, Сошествие Святого Духа, 1884); тогда же художник написал и икону Богоматерь с младенцем (Киевский музей русского искусства). Византийская традиция насыщается здесь острым, трагически-напряженным психологизмом нового времени.

Феерическое великолепие врубелевского колорита в полной мере проявилось в картине Девочка на фоне персидского ковра (1886, там же). После переезда в Москву Врубель становится одним из самых активных членов художественной группы Саввы Мамонтова. Здесь живописец пишет ряд лучших своих картин, работает в майолике – скульптуры Царь Берендей, Лель, Волхова, – все в Третьяковской галерее, Москва, обращаясь к дизайну, исполняет эскизы керамической печи, вазы, скамьи (Музей в Абрамцеве). «Русский стиль» этих вещей находит выражение и в его сценографии, связанной с Московской частной русской оперой Саввы Ивановича Мамонтова, в том числе в оформлении Садко (1897) и Сказки о царе Салтане (1900) Николая Андреевича Римского-Корсакова. Талант Врубеля-декоратора проявляется и в его огромном панно Принцесса Грёза, заказанном для Нижегородской ярмарки (1896, Третьяковская галерея).

Атмосфера волшебной сказки, характерная для картин Пан (1899), Царевна-Лебедь, К ночи, Сирень (все 1900), пронизана характерным для символизма чувством темного хаоса, таящегося за внешними покровами мироздания. Экспрессивно-драматичны и портреты (К. Д. и М. И. Арцыбушевых, а также Саввы Мамонтова, все три 1897; все работы – в Третьяковской галерее). Подспудный трагизм достигает кульминации в тех врубелевских образах, которые восходят к его иллюстрациям к поэме Лермонтова Демон (акварель, белила, 1890–1891, Третьяковская галерея и Русский музей, Санкт-Петербург), – в картинах Демон (1890) и Демон поверженный (1902; обе работы – Третьяковская галерея).

Конгломерат искрящихся форм в последней картине близок уже к беспредметному искусству. В 1902 году Врубеля поражает тяжелый душевный недуг, но и в поздний свой период (проведенный в основном в частных клиниках Москвы и Петербурга) он создает немало работ, отмеченных изысканным мастерством (Жемчужина, 1904; Портрет Валерия Яковлевича Брюсова, 1906), – работ, переходных от модерна к авангарду. В 1906 художник ослеп. Умер Врубель в Петербурге 1 (14) апреля 1910. Влияние его искусства было универсальным: в той или иной мере его испытали практически все крупные мастера русского искусства 20 века.

Цели и задачи урока: Продолжая нравственное и эстетическое воспитание, познакомить учащихся с творчеством М.А. Врубеля, особенностями его живописной манеры; воспитание уважительного отношения к культурному наследию; воспитание эстетического чувства видения прекрасного; развитие эмоционально –образной сферы личности учащихся в процессе восприятия художественных произведений.

Последовательность выполнения работы.

Познакомиться с предложенной темой. Внимательно прочитать текст, посмотреть материал, представленный в презентации.

Записать в тетрадь имя художника, отличительные черты периода времени, в котором он жил и работал.

Записать название произведений художника: а) на религиозные темы, б) на темы литературных произведения и сказок, в) портрет

Написать сочинение-размышление «Моё отношение к Врубелю».

История изобразительного искусства 6 год обучения

Тема

 

Русское искусство на рубеже XIX - XX  веков

Валентин Александрович Серов 

В этом году в нашей стране отмечают 150-летие со дня рождения выдающегося русского художника, представителя Серебряного века, Валентина Александровича Серова (1865-1911).

Валентин Серов, был крупнейшим живописцем конца XIX – начала XX века. Творчество художника было многогранным, его трудно отнести к одному художественному направлению. В нем слышны отголоски таких живописных традиций, как реализм, импрессионизм, модерн.

Серов находился в атмосфере искусства с детских лет. Он родился в Петербурге в семье музыкантов. Его отец, Александр Николаевич Серов был крупным композитором, а мать – пианисткой. Дарование будущего живописца обнаружилось рано: на рисунки 9-летнего мальчика обратил внимание Илья Репин, ставший его учителем и другом. Он посоветовал Серову поступить в Академию художеств, где он занимался в мастерской П.П.Чистякова. Профессор Чистяков был первым, кто открыл Серову сокровища Эрмитажа и говорил о необходимости изучения творчества старых мастеров. Позже художник отправился за границу постигать красоту живописи великих голландцев, испанцев, итальянцев. Эта поездка воспитала в Серове вкус к созданию произведений, прославляющих красоту человека, проникнутых жизнеутверждающим мироощущениям.

Вид  живописных произведений В.А. Серова  – это станковые картины.

Большее количество его произведений относятся к жанру портрета. Известен факт, что в 1910 году, за год до смерти, Серов составил список работ, отобранных для Всемирной выставки картин в Риме. В этот список вошло 15 произведений – все портреты. По мнению Серова, это были лучшие его работы.

Первые произведения художника, которые были с успехом выставлены («Девочка с персиками» (1887) и «Девушка, освещенная солнцем» (1888)), явились новым этапом в истории русского искусства.

Картина «Девочка с персиками»

1887 год. Конец лета. Серов приехал в Абрамцево и, расхаживая по дому, гуляя по лесу, знакомым с детства местам, разглядывал их теперь уже взглядом художника. Он искал средства, способные передать свежесть красок натуры, их оттенки и оттенки света, двигающегося вслед за солнечными лучами; думал, как положить мазок, чтобы изобразить мгновение, как писать воздух вокруг предметов, пропитанных светом.

Шалунья Верушка сидит в комнате за столом, в сиянии льющегося из окна холодного утреннего солнечного света. Нет, не сидит, а только присела там, где случайно оказалась, а художник взял кисть, краски и написал ее в этот момент быстро, легко и свободно. Все удивляет простотой и естественностью: и выражение полудетского лица, и поза, и жест. Однако за этим впечатлением, как впоследствии признавался Серов, «мучение ремесла, я всегда ищу и меняю… и измучил ее бедную».

Сохраняя естественность случайности, художник четко продумывает и выверяет и живопись, и композицию картины, но это незаметно для зрителя. Лицо расположено на высоте три четверти по средней вертикальной оси и в центре холста по горизонтали - в традиции классической портретной живописи.

Живописный центр - светящаяся в солнце розовая кофточка девочки. Розовый- цвет юности и чистоты, он - в полном соответствии с внутренним, эмоционально-душевным содержанием образа. Серов увидел Верушку в этом наряде и просил ничего не менять для портрета.

Художник долго искал такой ракурс, при котором все изображаемое в картине приобрело бы асимметрическую, то есть внутреннеподвижную уравновешенность при внешней композиционной устойчивости. При диагональном положении стола голова модели в центре картины; летящие и тающие мазки - блики света при наибольшей насыщенности цвета в центре; краски прозрачные, в основном не смешанные создают ощущение вибрации воздуха. В результате дается впечатление, что все изображение - фрагмент, вырезанный из самой натуры, что композиция не сочинена - столь она безыскусна, выражая естественное бытие человека в характерной и родной, близкой ему среде. "Надо писать так, чтобы не было видно труда", - говорил сам Серов.

Из окна справа, откуда идет свет, виден, а точнее угадывается, жизнерадостный дачный пейзаж в ранне-осенних, золотистых красках. Этот свет живописно связывает пейзаж с интерьером в одно жизненное пространство: свет сияет на стене и фарфоровой тарелке, бликами отражается на спинках стульев, мягко ложится на скатерть, скользит по лицу и рукам, обтекая фигуру и все предметы, создает единую, органически цельную среду, которая была неотъемлемым свойством живописи молодого Серова.

Картина «Девушка, освещенная солнцем»

 написана Валентином Серовым в 1888 году. Это портрет двоюродной сестры художника Марии Яковлевны Симонович (в будущем талантливой художницы и скульптора, а тот момент - совсем юной девушки). В период создания картины художник и сам был молод, ему не было еще и 23 лет. Серов хотел создать поэтический образ молодости. Это происходило в усадьбе Домотканово. Работа над картиной шла ежедневно, для ее создания художнику потребовалось не менее 90 сеансов.

Мы видим портрет юной девушки на фоне природы. Девушка сидит на скамейке, прислонившись к стволу дерева, она о чем - то задумалась. Взгляд её направлен в сторону зрителя, на лице – едва заметная мечтательная улыбка. Лицо у девушки очень доброе. Глаза можно назвать лучистыми. Создается впечатление спокойствия, тепла и света. Девушка буквально сливается с природой. Портрет насыщен солнцем, яркими красками лета. Это портрет – картина.

Художник писал и детские портреты, которые замечательны обаятельной непосредственностью юных героев. В портрете «Дети. Саша и Юра» (1899) изображены два сына Серова. Художник изображает реальную сцену, показывает своих детей в тот момент, когда они не думают о портрете.

Большое место в позднем творчестве Серова занимала историческая живопись. В истории России особенно интересными для художника являются XVIII век, петровская эпоха. В картине «Петр I» (1907) художник изобразил Петра I на постройке Петербурга, показал его как крупнейшего исторического деятеля, раскрыл сущность целой эпохи в развитии России.

В 1907 году Серов отправился в путешествие по Греции. Античность стала последним увлечением художника. Впечатления от поездки нашли отражение в картинах «Одиссей и Навзикая», «Похищение Европы» (обе 1910). Эти картины обретают черты монументальных панно. Обращение художника к античной мифологии способствовало соединению в работах вымышленного, условного и реального. При создании картины «Похищение Европы» художник использовал древнегреческий миф о финикийской царевне Европе, которой пленился бог Зевс. Превратившись в быка, он переплыл море и похитил красавицу. Переход к иным творческим принципам, которые легли в основу искусства XX века, совершался на рубеже столетий. И Валентин Серов стал тем художником, который практически его осуществлял. Художник все время был в творческом поиске, ему неизвестно было чувство удовлетворенности. На рубеже XIX-XX веков многие художники искали новый живописный язык, новые идеалы красоты. Валентин Серов также увлекся этими поисками. Традиции и новаторство сочетались в искусстве Серова очень органично. Тех, кто берег традиции русской живописи, Серов радовал реализмом портретных характеристик. В то же время художник был близок новаторам постоянными исканиями нового живописного стиля и выразительных средств. Валентин Серов стал тем художником, творчество которого соединило искусство XIX и XX столетий.

Цель и задачи:

Познакомить учащихся с творчеством художника, его краткой биографией, выяснить, что повлияло на становление личности, выбор жанра и тем работы, расширить кругозор учащихся, научить понимать замысел автора картины.

- развитие самостоятельности в поисках и осмыслении знаний о произведениях искусства;

- развитие аналитических способностей;

- развитие духовно-нравственных качеств личности;

- развивать воображение, художественный вкус.

Последовательность выполнения работы.

Познакомиться с предложенной темой. Внимательно прочитать текст, Просмотреть материал, представленный в презентации.

Записать в тетрадь имя художника, отличительные черты периода времени, в котором он жил и работал. Дать ответы на вопросы, предложенные на слайде № 31.